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EL CINE. LAS PRIMERAS DECADAS

Cuando los hermanos Lumière proyectaron esta llegada del tren a la estación, los espectadores sintieron pavor al pensar que la locomotora se les iba a echar encima. No es siquiera comparable con la actual sensación que tenemos frente a una pantalla de cine en 3D: los medios audiovisuales forman parte de nuestro paisajehabitual. Para aquellas personas, el invento del cinematógrafo todavía rezumaba cierto misterio, cierta magia que solo el discurso de la ciencia, propio de la época de final del siglo XIX, se encargaría de reducir a una explicación científica: el secreto residía en un invento con un sencillo mecanismo que permitía el arrastre intermitente de película fotográfica y que los hermanos Lumière llamaron cinematógrafo (del griego, kinema, movimiento; y grafein, escribir).

Las primeras películas de los hermanos Lumière trataban sobre la vida cotidiana, duraban unos 50 segundos (de unos 17 metros de película):

Méliès

Pero el verdadero mago del cine fue Georges Méliès, quien trató de comprar un cinematógrafo pero no lo consiguió, y finalmente desarrolló su cine con la compra de un bioscopio inglés (otro más de los artilugios que surgieron en esta época y que dejan entrever que la invención del cine no tiene más autoría que la colectiva), con el que terminaría descubriendo por casualidad el trucaje cinematográfico, que le permitiría plasmar su talento e ingenio en películas fantásticas como la célebre Viaje a la luna (1902), aportando la historia del cine la puesta en escena:

EL CINE EUROPEO

La historia del cine no es ajena a los acontecimientos históricos y con la llegada de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) se reduce la producción europea y aumenta la norteamericana. Sin embargo, en torno a las grandes guerras, el cine europeo vive un apogeo que no queremos dejar de apuntar brevemente.

El cine alemán competirá con las grandes producciones norteamericanas de un Hollywood incipiente que ha diseñado su estrategia de industria cinematográfica con el star system. Lo hará mediante la prohibición del gobierno alemán de exhibir películas extranjeras y la creación de una industria propia a cargo de los estudios de cine UFA. De ahí surgió la obra E. Lubitsch (“Madame Dubarry” o “Ana Bolena”, sátiras de la Revolución Francesa y la sociedad americana, respectivamente). Y destaca la revolución estética del expresionismo alemán, con deformación de la realidad y el uso del plano aberrante (un tipo de plano inclinado). Títulos y directores ineludibles serán “El gabinete del Doctor Caligari” (R. Wiene, 1919), “Nosferatu, el vampiro” (Murnau, 1922) y “Metropolis” (F. Lang, 1926).

El cine ruso de esta época se caracterizará por una nacionalización de la industria cinematográfica a cargo de la “Escuela Estatal de Arte Cinematográfico” de Moscú. Esta “escuela soviética” parirá magníficos directores como Vertov, Kuleshov, Eisenstein o Pudovkin. Todos ellos comparten un entusiasmo revolucionario, una inquietud por experimentar y teorizar el medio, dan una gran importancia al montaje y rechazan el cine burgués de Hollywood para dar protagonismo al pueblo.

El impresionismo francés de los años 20 aporta un cine de artista con narraciones psicológicas, como es el caso de Abel Gance y su “Décima sinfonía”. Con impresionismo queremos decir que este cine apuesta por una representación de la conciencia del personaje y un interés por la acción interior, acercándose a la poesía, a la pintura, o a la música. Se usarán por tanto desenfoques, vertiginosos movimientos de cámara, un montaje rítmico en definitiva. Así ocurre, por ejemplo, en la célebre “Napoleón”, de Abel Gance. Además del impresionismo, fuera del circuito más industrial nace el cine surrealista francés con pintores como Man Ray o Salvador Dalí interesados por el cine. Deseo, éxtasis sexual, violencia o humor estrafalario serán temas de este libre flujo de pensamiento que representa especialmente el primer cine de Luis Buñuel, con “Un perro andaluz” (1928) y “La edad de oro” (1930).

CINE DE AUTOR

Escena final de “El Crepúsculo de los Dioses” que trata de cómo muerte el sistema de estrellas de cine y cómo afecta a la actriz Norma Desmond. Es una película sobre la Historia del Cine muy recomendable. 

El cine continuó su historia tal y como venimos describiendo hasta después de la Segunda Guerra Mundial. Se empezó a resquebrajar el star system por las quejas de los propios actores y actrices (que “se vendían” en exclusividad) y además llegaba una nueva revolución tecnológica: la televisión. El cine contestó con grandes superproducciones y con la novedad del color, que ya se había usado con técnicas más rudimentarias pero que ya en los años cuarenta se había estandarizado su uso.

La respuesta llegó de Europa. Primero de Italia con el Neorrealismo de Rossellinide SicaFellini o Visconti. En Francia surgió la «nouvelle vague», con TruffautGodard y otros en torno a la revista Cahiers du Cinéma, que definió este tipo de cine como cine de autor, porque respetaban más al artista que las pretensiones comerciales. Aquí se encuadra el cine de BuñuelBergman (de Suecia), KubrickAntonioniPasoliniKurosawa (de Japón) o Tarkovski (de Rusia).

De nuevo hubo contrarréplica a este cine de autor en EEUU donde, influidos por el arte de los cineastas europeos, surgen una serie de directores que más adelante se conocerán como el cine independiente. A partir de las décadas de los 60 y 70 encontraremos a John Cassavetes, y a unos un poco más comerciales como Woody Allen, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman o Peter Bogdanovich. Incluso Spielberg o George Lucas empezaron como independientes si pensamos en películas como “Tiburón” o “American Graffiti”). A esta época pertenece también el género favorito de Quentin Tarantino: el «blaxploitation». La protagonista de “Jackie Brown” fue una conocidísima protagonista de este tipo de películas de “serie B”.

 
Los ingleses Eclectic Method han hecho esta remezcla con algunas películas de Tarantino.

Como un best-seller literario, el término blockbuster se aplica en teatro o cine para denotar una producción muy exitosa y popular. Lo que se conoce hoy con un “golpe de taquilla” empezó probablemente con la saga de la Guerra de las Galaxias, de George Lucas. Spielberg o Lucas son sin duda los más conocidos representantes de estos éxitos de taquilla. Y, cómo no, esta moda de películas comerciales sobre catástrofes, sagas o secuelas tuvo su reacción en películas que mantienen un cierto espíritu artístico ajeno a los intereses comerciales como primer objetivo. Y llegamos a la actualidad, una época marcada por la democratización de las nuevas tecnologías y nuevas y revolucionarias vías de distribución como internet. Qué ocurrirá trasciende el objeto de este tema, la historia aún se está escribiendo.
Dogma 95

Te animamos a ver este interesante y DIY (Do It Yourself, esto es, hazlo tú mismo) reportaje sobre un movimiento de respuesta al cine hollywoodiense que iniciaron los cineastas daneses Lars Von Trier o Thomas Vinterberg a mediados de los noventa:

Secuencias de Montaje
Una Secuencia de Montaje es una serie de acciones que pueden suceder en una misma localización o en varias, con saltos de tiempo y que se explican de una manera muy rápida, casi fugaz.

Son un conjunto de escenas rápidas en las que pasan muchas cosas, muchas veces acompañadas por música.

Ejemplo.- Un personaje está cambiándose de ropa en un vestidor y vemos una serie de planos muy rápidos en la que vemos un modelo distinto en cada uno.

Ejemplo 2.- Una persona buscando a alguien por las calles de una ciudad y veríamos una serie de secuencia de planos cortos casi siempre acompañados de música en la que un personaje pregunta a unos y a otros por la ciudad.

El hecho de que haya un cambio de localización o un salto de tiempo, ya convierte cada plano en una escena distinta, pero al ser una gran cantidad de planos, se suele considerar como una sola escena con un solo encabezado
Ejemplo:

SECUENCIA DE MONTAJE
EXT. CALLES DE CIUDAD. DIA
CARLOS (28) camina con un papel en la mano.
Carlos pregunta a un SEÑOR.
Carlos corre por un puente detrás de una mujer.
Carlos habla con la MUJER pero ésta no sabe lo que pregunta.
FIN DE SECUENCIA DE MONTAJE

Guión básico para el comentario de una producción audiovisual

  1. Ficha técnica de una película.
  • Director
  • Productor
  • Actores principales
  • Director de fotografía
  • Año en que se filmó
  • Si ganó algún premio
  • Autor de música.
  • Otros datos que encuentres de interés.
  1. Análisis de lenguaje cinematográfico:

De la película que has visto nombra y explica algunos:

  • Tipos de planos
  • Movimientos de cámara
  • Valora la interpretación de los actores. Describe qué te ha parecido
  • Comenta la música que más te ha gustado. Si puedes conseguir la banda sonora, escúchala.
  • Describe las técnicas de montaje utilizadas.
  1. Análisis de los valores que se presentan.
  • Haz un juicio sobre el argumento, sobre los aspectos sociales positivos y negativos.
  • ¿Cómo actúan los personajes?.
  • ¿Qué cambiarías de sus actuaciones?
  1. Análisis de la estética de la película.
  • Valora si está bien expresada la idea central
  • Si la narración es correcta
  • Si la estructura musical es adecuada.
  • Busca trucos y efectos especiales y documéntate o imagínate cómo se han podido lograr.
  1. Análisis del género al que pertenece la película.
  • Haz una lista de películas del mismo género.
  • Compáralas con la que has elegido.
  • Enjuicia sus semejanzas y diferencias.
  1. Analizar el mensaje de una película.

En una película, se llama «mensaje», a la idea o ideas que a través de los diálogos, de la

narrativa cinematográfica, de la música, se supone que los responsables-emisores de la película han querido trasmitir a los espectadores-receptores.

  1. Toma como punto de partida una película.
  2. 2. Reflexiona sobre las ideas principales.
  1. Haz un mapa conceptual, o un gráfico, en el que se refleje el contenido temático de la película. Normalmente puede haber varias historias paralelas que confluyen en ciertos momentos. Lo verás mejor si haces el gráfico.
  1. Elige la idea central que se pretende transmitir.
  1. Expresa cómo han influido, reforzando o limitando, los elementos técnicos (encuadres, planos, música…), para presentar mejor o peor la idea central.
  1. ¿Te ha influido en algo la película?. ¿Te ha enseñado algo?. ¿Tiene que ver la película con algún contenido de tus estudios o de tu vida familiar o privada?. ¿Te ves reflejado en algún personaje de la película?. En todos los casos, razona y explica tu respuesta.

EJEMPLO DE ANALISIS DE PULP FICTION

 

El muro de Pink Floyd centra la historia en un cantante de Rock el cual se encuentra sumido en el abismo de las drogas, siendo obligado a vivir una existencia sin sentido, poseedor de  una barrera imaginaria generada por  los traumas acumulados a lo largo de su vida  que lo separa de las demás personas.
Esta película es una mezcla de música y un bombardeo constante de figuras retóricas que simbolizan el control ejercido desde el núcleo familiar y el vacío generado por el desmembramiento de la familia, la ausencia de afecto en el hogar,  los sistemas educativos arcaicos que continuaban con el dominio de su comportamiento, la prohibición de la libertad de expresión y supresión de la creatividad en la infancia generado por la represalia de los maestros ante una vida deplorable, tal venganza que a su vez, creaba un malestar en los infantes y así mismo desencadenaba un círculo de revancha constante.
Esta filmación también nos muestra como una pedagogía controladora y rígida va formando a los “niños zombis”, por así decirlo, haciendo una analogía al producto final de una fábrica, personas inanimadas para la sociedad, seres sin emociones ni autonomía, de apariencia libres pero con paredes ficticias impuestas desde su niñez, que buscan llenar el vacío creado en su interior a toda costa, siendo victimas de un mundo capitalista, en donde el consumismo es la salida ante la ausencia de ese espacio.y hasta el sexo se vuelve una herramienta más para alcanzar el objetivo.
Esta situación es de provecho para las industrias de consumo quienes saturan la población por medio de los medios masivos de comunicación y engullen sus productos mediante todo tipo de publicidad.
También se muestra como el hombre no puede abrir su corazón completamente, ya que al intentar hacerlo puede ser destrozado por un desamor.
Adicional en el cortometraje podemos analizar políticamente hablando, como la corrupción se esconde bajo el nombre de la paz, mientras aumenta el número de victimas de la guerra las cuales creyeron en que su lucha no sería en vano.Este análisis es breve en comparación a la cantidad de información que se puede recolectar de esta película, un film lleno de mensajes de anarquía ante una sociedad manipuladora, pidiendo a gritos cambio.
Les recomiendo verla y analizarla, es una película que vale la pena ver.

EFECTO KULESHOV

Posted: April 8, 2016 in EFECTO KULESHSOV, Uncategorized

Lev Vladímirovich Kuleshov (1899 – 1970) fue uno de los pioneros del cine soviético. Cineasta y teórico famoso por sus experimentos en torno al montaje del cine, Kuleshov aportó experiencias y conocimiento en torno al lenguaje cinematográfico.
Uno de sus experimentos más reconocidos fue el llamado Efecto Kuleshov. En él se reconoció la enorme importancia del montaje y demostró la tendencia a leer textos yuxtapuestos como uno solo, construyendo una historia. Además, definió el plano como signo que construye el cine, del mismo modo que las letras hacen palabras, que después son textos.
Este experimento realizado a través del montaje se basó en la yuxtaposición de un mismo primer plano de un actor( Mozzuchin) con planos de un plato de sopa, una niña en un ataúd y una mujer. Las tres breves secuencias hacían al espectador reconocer en la impasible cara del actor las sensaciones de hambre, dolor y deseo.

Una secuencia es una serie de imágenes que constituyen un conjunto con significación. De manera que, el significado de una imagen está subordinado al conjunto, carece de autonomía ya que depende de toda la secuencia. Es decir, en una sola imagen no encontraremos el significado de la acción, sino que necesitaremos las anteriores y posteriores que conforman la secuencia.

KULESHOV

ACTIVIDAD:EFECTO KULESHOV

Realizar un montaje con imágenes fijas (fotografías) o en movimiento similar al experimento de Kuleshov para demostrar que un montaje adecuado,una yuxtaposición acertada de planos, puede manipular la percepción del espectador y modificar el significado del mensaje.
Tema:libre,actualidad.
Software:Windows movie maker.
Sonido :añadir una banda sonora adecuada.
Incluir título y créditos.

Cómo hacer una crítica de cine (ejemplo King Kong 1933)

Consejo:

Después de ver la película puedes hacer un esquema del argumento, y elaborar un breve resumen de la idea que quieres transmitir, para dar orden a tus ideas.

1- Introducción

La introducción tiene que ser escrita de tal forma que llame la atención del lector sobre nuestro artículo.

Por ejemplo, puedes escribir una frase que para ti ha sido muy significativa para representar la película.

Ej.- “Apasionante relato de monstruos, aventuras y terror, que marcó un hito en el uso de los efectos especiales”

O puedes empezar describiendo una escena o una imagen de la pelicula que te ha parecido particularmente bonita y expresiva; o vivaz y divertida: lo importante es que despierte la curiosidad del lector.

2.- Sinopsis / Resumen de la acción

Describe brevemente el principio de la acción, de manera que los personajes más importantes, el tema de la película y el conflicto que motiva la trama se vuelvan claros – y se genere tensión sobre la continuación de la película.

Ej.- “La acción tiene lugar en NYC, en el vapor S.S. Venture y en la imaginaria isla Calavera (Skull Island), del SO del Pacífico, en 1931/32. Narra la historia de Ann Darrow (Fay Wray), bella actriz en paro, que hurta para poder comer. El cineasta Carl Denham (Robert Armstrong), a la búsqueda desesperada de una actriz para la película que quiere rodar sobre un gran gorila, la contrata”

Cuidado: ¡Escribe la sinopsis siempre en tiempo presente! ¡Nunca reveles el final!

3.- Contexto cinematográfico

¿Quién es el director de la pelicula?

¿Ha hecho otras películas parecidas? Puedes hacer una comparación entre ellas, presentando semejanzas y diferencias (es interesante ver

otras películas del mismo director, anteriores y posteriores, para conocer el papel de la película en su trayectoria).

Ej.- Dirigida y producida por Merian C. Cooper y Ernst B. Schoedsak, cineastas aventureros especializados en documentales. Se rodó en los Estudios Culver (California) y en New Jersey, NYC, San Pedro (LA) y en el Shrine Auditorium (LA). Costó 650.000 dólares. Se estrenó el 7-IV-1933, con gran éxito de público.

¿Cuál es el tema tratado?

Ej.- Es una película de monstruos, destinada a provocar suspense y terror, con dosis elevadas de violencia y de erotismo. Es, además, una versión singular del antiquísimo mito de la bella y la bestia, sin final feliz

¿De qué género se trata?

¿Es una comedia, una película para niños, una película de amor, un drama, un documental, etc.?

¿A qué tipo de público se dirige la película? ¿Por qué?, ¿Qué te lo hace pensar?

4.- Acción, actores, imágenes, música…

Puedes tomar en consideración algunas de las siguientes preguntas:

¿Piensas que el guión (la historia) está bien planificado?

¿Está bien expresada la idea central? ¿Es fácil de entender o te parece complicado? ¿Las escenas siguen una a la otra linearmente o hay saltos en el tiempo? ¿Cómo te parecen los diálogos entre los personajes? ¿Son claros, o no se entiende bien lo que quiere decir? ¿El conjunto de la narración parece realístico, te puedes identificar con ello? ¿El film capta la atención del público, mantiene la tensión? ¿A

través de que medios / expedientes?

¿Como juzgas la interpretación de los actores? ¿Resultan convincentes en sus papeles, o parecen muñecos, seres de cartón, falsos? ¿Consiguen que establezcas alguna relación de

identificación con ellos (empatía, odio, pena…)? ¿Qué elementos te lo hacen pensar (gestos, expresión, cara, entonación, mirada, etc.)? Si la interpretación de los actores no te ha convencido, ¿qué cambiarías de sus actuaciones?

De los aspectos formales que utiliza el director, ¿cuáles te parecen más importantes y comunicativos en la película?

El movimiento de la cámara, ¿es rápido o lento? ¿Destaca un tipo de plano en particular? ¿Qué sensaciones transmite? (Por ejemplo, una película donde predominan primeros planos de los personajes da una sensación muy distinta de una que presenta sobre todo planos generales y amplios: te hace sentir más cerca a los protagonistas) ¿Qué sensación transmite la fotografía, que va junto con la

iluminación? (Por ejemplo, imágenes con grandes sombras pueden producir tristeza.)

¿Qué puedes decir sobre los decorados y el vestuario? ¿Te parecen apropriados para crear una atmósfera en la que el espectador pueda identificarse? ¿O alguno de ellos es particularmente relevante, porque subraya un momento importante en la película? Cómo?

La música puede ayudar a dar profundidad a las escenas, ¿o piensas que habría podido mejorarse? ¿De qué manera? Puedes referirte a la melodía, pero también puedes considerar las voces, los ruidos, etc.

En el análisis de los elementos estéticos debes comentar los que aportan un estilo propio a la película y evaluar si están bien elegidos o por el contrario producen incoherencia con la historia que se está contando. ¿Cómo han influido, reforzado o limitado, los elementos formales, para presentar mejor o peor la idea central? ¿Qué te ha parecido  que se ha logrado comunicar y qué no?

Cuidado: ¡Siempre tienes que motivar tus valoraciones!

Dado que una crítica presenta siempre tu opinión personal, no hace falta escribir “yo

considero que”, “según mi opinión”, etc., evítalo.

Ej.- “La música, de Max Steniner, se apoya en una masa orquestal muy numerosa, que da densidad y solemnidad a la composición. Diferencia los momentos románticos, de intriga y de terror. La fotografía contiene elementos propios de un film de serie B, con escenas tomadas de films anteriores, niebla que reduce el escenario, etc. La parte que incluye efectos especiales constituye un alarde de imaginación, trucos visuales (Kong era un muñero articulado de 45 cm.) y recursos técnicos novedosos (stop-motion, rear projection). La estética de los decorados está tomada del cuadro “La isla del diablo”, del pintor Arnold Bocklin. El guión cuenta una historia interesante y hace uso de una narración austera, intensa y de aire documental. La interpretación de Fay Wray, pelirroja de ojos miel, realiza un trabajo excelente. Los directores hacen de Denham su propio “alter ego” y realizan un vistoso cameo como piloto y artillero de uno de los aviones de la secuencia final.”

5.- Conclusión

La conclusión de una crítica cinematográfica tiene que comprender tanto un breve resumen del contenido, como también de la crítica misma

No hace falta que te extiendas. Intenta tener las ideas claras y explica tu punto de vista con madurez

“Película gratamente compleja, que marcó un hito en el uso de los efectos especiales, creados por Willis O’Brien. Obra clásica e imprescindible.”

 

EL CINE

Posted: April 8, 2016 in EL CINE, Uncategorized

LAS VANGUARDIAS Y EL CINE

Para los vanguardistas de principios del siglo XX, desde los expresionistas a los surrealistas, el cine va a ser un medio artístico estupendo para volcar sus inquietudes y sus nuevas propuestas expresivas.

Los expresionistas alemanes tratan de transmitir el terror histórico de la Alemania derrotada en la Primera Guerra Mundial y humillada en la paz de Versalles (1919). Tratan de expresar un mundo amenazador, que cree angustia y opresión en el espectador. Así, los estados de ánimo torturados de sus personajes  serán expresados con violentos contrastes de luz de los iluminadores cinematográficos y con truculentos gestos y exagerados maquillajes de los actores. Los decorados deformados y la creación de atmósferas inquietantes y amenazadoras contribuirán a transmitir esas sensaciones angustiosas y opresivas.

Entre sus obras más representativas figuran El gabinete del Doctor Caligari de Robert Wiene, Nosferatu, el vampiro de F.W. Murnau y Metrópolis de Fritz Lang.

El cine expresionista influirá en grandes directores (Josef von Stenberg, Carol Reed, Orson Welles) y en la estética de diferentes géneros cinematográficos (cine negro, cine fantástico, cine de terror, cine gótico).

Las propuestas revolucionarias del surrealismo cuajarán en dos películas de Luis Buñuel que comentaremos en otra entrada: Un perro andaluz y La edad de oro. A partir de ellas todo es posible en el cine: la gran pantalla se libera con estas películas de cualquier tipo de censura. Como aperitivo podéis ver este vídeo de La noche temática (que tomo del blog de CAM-Cine) que nos acerca al cine del movimiento surrealista (directores, películas, raíces de las que se nutre, influencias en obras posteriores)

TEORIA DEL CINE

LENGUAJE CINEMATOGRAFICO